Paeonia Daunica (Plate 9) by Pierre Joseph Redouté, 1813
Obra de arte auténtica
La obra de arte que imprimimos se restaura fielmente a partir de la fuente original, normalmente un museo, biblioteca o colección privada. Nunca sustituimos, redibujamos ni inventamos la obra del artista utilizando IA generativa.
Restaurada en nuestro taller de Londres a partir de la obra original de 1813 e impresa en calidad museo. Descripción completa
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Restaurado en Londres • Impreso y enmarcado en the UK
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Restaurado a partir de la obra original de 1813 e impreso en calidad museo. Descripción completa
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Pierre Joseph Redouté’s Plate 09 from Description des plantes rares cultivées à Malmaison et à Navarre, dated 1813, presents a cultivated botanical...
Seguir leyendoPierre Joseph Redouté’s Plate 09 from Description des plantes rares cultivées à Malmaison et à Navarre, dated 1813, presents a cultivated botanical specimen identified in the lower inscription as “Paeonia Daunica”. A broad crimson flower crowns the composition, its rounded petals gathered around a finely articulated yellow centre. Beneath it, overlapping leaves spread in several directions, their cool and warm greens carefully modulated against an almost white ground. The plant is at once luxuriant and disciplined: abundant foliage is contained within a spacious vertical arrangement, while smaller botanical details near the lower edge extend the study beyond the immediate splendour of the bloom.
Redouté was among the most accomplished botanical artists working in France during the late eighteenth and early nineteenth centuries. His studies united close observation with an exceptional sense of pictorial poise, giving specimens the clarity required of botanical records without sacrificing their ornamental character. This plate belonged to a publication devoted to rare plants cultivated at Malmaison and Navarre, estates closely associated with Joséphine de Beauharnais and the horticultural culture surrounding her. Such images documented plants valued for their rarity and cultivation while also addressing an audience for whom botany, collecting and refined visual culture were intimately connected.
A closer look
The principal flower occupies the upper centre, where saturated reds deepen between the folded petals and lighten along their softly curved edges. These subtle tonal changes prevent the bloom from reading as a flat emblem. Its yellow stamens form a concentrated, finely worked core, introducing a sharp contrast of colour and texture. Small irregularities in the petal contours preserve the sense of an observed living specimen rather than an idealised geometric form.
Below, the foliage provides the composition’s structural weight. Leaves overlap and turn at different angles, with prominent veins running through surfaces that shift from dark forest green to paler, yellow-tinged passages. Some project laterally, while others recede behind the central stems, creating depth without the aid of a landscape setting. The pale surrounding space is crucial: it isolates every serration, junction and change of direction, allowing the eye to follow the plant’s growth from stem to flower.
Near the bottom left, a smaller pale flower offers a quiet counterpoint to the dominant red bloom. Its elongated petals and delicate centre are rendered on a more intimate scale. At the lower right, two pod-like forms add another stage of botanical development, their faintly striated surfaces contrasting with the softness of the petals and the broad planes of the leaves. These peripheral elements are easy to overlook, yet they transform the plate from a flower portrait into a more extensive account of the specimen’s structures.
Context and significance
Early nineteenth-century botanical illustration occupied a productive space between science and art. The specimen had to be legible—its leaves, flowers and reproductive features clearly distinguished—but the plate also required compositional intelligence. Redouté’s particular distinction lies in how naturally those demands coexist. Here, the plant is neither crowded by explanatory detail nor stripped of its sensuous presence. Precise contours, restrained modelling and generous negative space make close study possible, while the concentrated red of the flower gives the page an immediate visual focus.
The result reflects a culture in which rare cultivated plants carried scientific, horticultural and social interest. Yet the plate remains compelling independently of that history: its drama is contained within the contrast between one full bloom, a dense architecture of leaves and the near-silence of the surrounding ground.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 24x36in (60x90cm) version of this art print.
Where personalisation is available, you can add a short title or dedication, or one considered visual detail. See examples of personalised artwork.
Choose Original to retain the colour and character of the source artwork, or Aged for a warmer, more antique appearance. See examples of our Aged artwork.
Every piece is produced to archival standards using fade-resistant pigment inks on acid-free matte art paper. Choose an art print, framed art print or framed canvas using the finish options above.
Framed art prints use crystal-clear optical acrylic for excellent clarity, lower weight and safer delivery than glass. Each piece arrives professionally framed and ready to hang.
Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
Pierre Joseph Redouté’s Plate 09 from Description des plantes rares cultivées à Malmaison et à Navarre, dated 1813, presents a cultivated botanical specimen identified in the lower inscription as “Paeonia Daunica”. A broad crimson flower crowns the composition, its rounded petals gathered around a finely articulated yellow centre. Beneath it, overlapping leaves spread in several directions, their cool and warm greens carefully modulated against an almost white ground. The plant is at once luxuriant and disciplined: abundant foliage is contained within a spacious vertical arrangement, while smaller botanical details near the lower edge extend the study beyond the immediate splendour of the bloom.
Redouté was among the most accomplished botanical artists working in France during the late eighteenth and early nineteenth centuries. His studies united close observation with an exceptional sense of pictorial poise, giving specimens the clarity required of botanical records without sacrificing their ornamental character. This plate belonged to a publication devoted to rare plants cultivated at Malmaison and Navarre, estates closely associated with Joséphine de Beauharnais and the horticultural culture surrounding her. Such images documented plants valued for their rarity and cultivation while also addressing an audience for whom botany, collecting and refined visual culture were intimately connected.
A closer look
The principal flower occupies the upper centre, where saturated reds deepen between the folded petals and lighten along their softly curved edges. These subtle tonal changes prevent the bloom from reading as a flat emblem. Its yellow stamens form a concentrated, finely worked core, introducing a sharp contrast of colour and texture. Small irregularities in the petal contours preserve the sense of an observed living specimen rather than an idealised geometric form.
Below, the foliage provides the composition’s structural weight. Leaves overlap and turn at different angles, with prominent veins running through surfaces that shift from dark forest green to paler, yellow-tinged passages. Some project laterally, while others recede behind the central stems, creating depth without the aid of a landscape setting. The pale surrounding space is crucial: it isolates every serration, junction and change of direction, allowing the eye to follow the plant’s growth from stem to flower.
Near the bottom left, a smaller pale flower offers a quiet counterpoint to the dominant red bloom. Its elongated petals and delicate centre are rendered on a more intimate scale. At the lower right, two pod-like forms add another stage of botanical development, their faintly striated surfaces contrasting with the softness of the petals and the broad planes of the leaves. These peripheral elements are easy to overlook, yet they transform the plate from a flower portrait into a more extensive account of the specimen’s structures.
Context and significance
Early nineteenth-century botanical illustration occupied a productive space between science and art. The specimen had to be legible—its leaves, flowers and reproductive features clearly distinguished—but the plate also required compositional intelligence. Redouté’s particular distinction lies in how naturally those demands coexist. Here, the plant is neither crowded by explanatory detail nor stripped of its sensuous presence. Precise contours, restrained modelling and generous negative space make close study possible, while the concentrated red of the flower gives the page an immediate visual focus.
The result reflects a culture in which rare cultivated plants carried scientific, horticultural and social interest. Yet the plate remains compelling independently of that history: its drama is contained within the contrast between one full bloom, a dense architecture of leaves and the near-silence of the surrounding ground.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 24x36in (60x90cm) version of this art print.
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Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
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Mi marco estándar es un marco de madera de fresno negro estilo galería. Es simple y tiene un aspecto bastante moderno. Mi marco estándar tiene alrededor de 20 mm (0.8 in) de ancho.
Utilizo acrílico super claro (perspex/acrylite) para el vidrio del marco. Es más ligero y seguro que el vidrio, y se ve mejor, ya que la reflectividad es menor.
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La mayoría de los mapas, arte e ilustraciones también están disponibles como un lienzo enmarcado. Utilizamos lienzo de algodón mate (no brillante), lo estiramos sobre un marco de madera de caja de origen sostenible, y luego 'flotamos' la pieza dentro de un marco de madera. El resultado final es bastante hermoso, y no hay cristal que se interponga.
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Trabajamos con diseñadores de interiores, empresas de hostelería, profesionales inmobiliarios, oficinas y compradores corporativos en piezas individuales y proyectos coordinados de mayor envergadura.
Esta obra puede adaptarse a una pared, estancia o proyecto concretos, y nuestro taller puede ayudar a coordinar las dimensiones, el material y el enmarcado antes de la producción.
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Cada impresión artística restaurada comienza con la obra original del artista; nunca con un reemplazo generado por IA.
Nuestro estudio de Londres trabaja a partir de material de origen cuidadosamente seleccionado de museos, bibliotecas, archivos y colecciones privadas. Restauramos el deterioro por el paso del tiempo, la coloración desvaída y las imperfecciones de reproducción, preservando al mismo tiempo la composición, la pincelada, el trazo, la textura y el carácter de época del artista.
No utilizamos IA generativa para redibujar, reinterpretar ni inventar la obra. La restauración digital se emplea únicamente para recuperar y reproducir la obra original con la mayor fidelidad posible.
Una vez restaurada, la obra maestra se prepara para el tamaño y el acabado que haya elegido. Después, su pieza se imprime y, cuando se selecciona, se enmarca cerca de su destino de entrega.
Nuestras impresiones artísticas giclée utilizan papel mate de archivo libre de ácido de 200 g/m² y tintas de pigmento resistentes a la decoloración para ofrecer un acabado rico, de calidad museística. Las impresiones artísticas enmarcadas utilizan acrílico óptico cristalino y llegan listas para colgar.
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